roberto carter en su domicilio-estudio-jardín

Figura amarilla flotando

Figura amarilla flotando

 

(entre un colegio y un cañón que alberga un río hay una pequeña franja de tierra que sostiene un apartamento y un jardín. para llegar a esta franja, se debe recorrer una calle pavimentada hasta que esta se convierte en un camino de zacate sobre el cual habitan varios letreros pequeños de madera pintados de azul, amarillo, rojo y blanco que con letras pintada a mano hablan sobre "RESPETEMOS EL RIO", "y cuidemos de las plantas y de los", "animalitos", "AMIGOS DE LA NATURALEZA" y "Por Favor". por lo marcado que está, se intuye que el camino de zacate debe bajar hasta el río del ya mencionado cañón, pero cuesta creerlo porque estamos muy cerca de la sabana urbana y lo que se vislumbra a la par del camino es un precipicio que desde el confort y seguridad de la calle pavimentada parece ser eterna e intimidantemente profundo.

ahí, en esa franja de tierra que está entre el colegio, el cañón y el inesperado camino de zacate, es donde se encuentra el domicilio-estudio-jardín de Roberto Carter.

el jardín de este domicilio-estudio-jardín algo tiene de encantado. más que por el tipo o la cantidad de plantas, o que por un buen trabajo de paisajismo, lo encantado de este jardín es la sencillez, curiosidad y libertad que transmite. es el primer jardín atemporal que conozco: al habitarlo, aunque sea por 15 minutos como hice yo, el tiempo, y lo que consigo trae, como pensamientos, planes e ideas a futuro y pasado, desaparecen abrupta, inesperada e inconscientemente.

este no es un jardín de metros cuadrados, entonces podría decir que además de atemporal es también aespacial: este es un jardín que crece y subsiste de la franja de tierra que sostiene la vida de Roberto, las pinturas que pinta Roberto y las palabras con las que Roberto cuenta sus historias.)


 
Encuentro entre figura y animal

Encuentro entre figura y animal

 

(después de mi deleite en el jardín, Roberto me muestra un espacio de trabajo que tiene al aire libre. el espacio está sobre un planché de concreto añejado por la humedad y la lluvia, tiene toldo de tela como techo, 2 mesas grandes de madera y muchos tarros de pintura.)


 
 

aquí es donde pinto cosas más pequeñas y más que todo en formato horizontal, por el espacio. me gusta un montón venir a pintar acá porque puedo llenar esta mesa de varias telas y además me encanta estar afuera. hace unos años hice una expo que se llamó "Serie del Jardín", y todas las pinturas las hice al aire libre adonde vivía antes, en la garita, alajuela. de hecho las pinté en un lugar muy, muy parecido a este: era totalmente abierto, no tenía paredes y el piso era igual así, todo destruido. yo trato de adaptarme a los distintos lugares, pero aquí llegué y me topé con la sorpresa de que también existía este espacio que se parecía bastante al lugar donde yo pintaba antes. aquí afuera pinto más libre, menos estructurado, y es muy grato saber que trabajos que hice acá en esa libertad y tranquilidad se terminaron exhibiendo.

viendo los paisajes en tus pinturas tiene todo el sentido que acostumbres pintar afuera.

sí, por ejemplo, hace un tiempo hice una pintura que se llama "Figura percatándose de un momento en el zacate" y yo me acuerdo específicamente cuando estaba pintándola que estaba este sonido del viento, y es como que vos estás pintando y de repente como que, no es algo que pasa siempre, pero me pasó muy fuerte y me di cuenta que ahí estaba el zacate y yo estaba pintando zacate y estaba pintando una figura que era yo mismo percatándome del zacate en movimiento. fue como una especie de epifanía que no siempre que pinto se da, que me reveló un poco esa importancia de mi relación en ese momento con mi entorno y cómo la trasladé a esa pintura en específico.

¿este momento del que hablas, afectó luego lo que venías pintando, o es nada más un sentir, una realización?

fue como que realicé en ese momento lo que yo estaba haciendo. no fue como que me di cuenta y lo pinté, pasó después. pero en este caso en particular, llega un momento en la pintura cuando uno está como con 4-5 pinturas al mismo tiempo donde la atención va por un lado, va por el otro y el grado de atención de uno no siempre es el mismo, hay momentos tal vez en los que uno está más consciente de lo que está haciendo y otros momentos en los que está más desconectado y eso va oscilando. en ese momento del zacate tuve un pequeño instante de lucidez, por así decirlo, donde el sonido de los pájaros y el río se me metió y dije, mirá, estoy pintando. 

Figura percatándose de un momento en el zacate

Figura percatándose de un momento en el zacate

¿se podría describir como un momento de sincronización con algo más grande que uno?

yo creo que sí, es algo meditativo y realmente está escrito. sí hay estados de la mente que son diferentes; los grados de consciencia no son todos iguales. uno podría verlo desde la perspectiva científica, pero también lo podría ver desde una perspectiva espiritual. las dos al fin y al cabo son válidas.

¿lo espiritual -por falta de una palabra menos sobre utilizada- influye en tu trabajo?

lo no concreto, lo metafísico, sí puede ser. yo creo que uno puede dividir esto de la vida en las cosas concretas y las cosas no concretas, en lo tangible y lo no tangible. uno podría ver las cosas, como te digo, desde la perspectiva mental o científica o desde la perspectiva espiritual. yo siempre me he mantenido en un punto medio, en el sentido de que no sé y como no sé, hay cosas que son posibles. en mi caso, mi trabajo pasa mucho por lo relacionado a procesos mentales no tan conscientes, pero no como algo muy estructurado, si no como algo más intuitivo.

mi proceso es un balance entre las dos cosas. la raíz de todo es intuitivo. el 99% de las veces que yo voy a pintar algo, no sé lo que voy a hacer. tal vez la excepción fue con "Serie del Jardín", ahí sí hice dibujos porque quería probarme a mí mismo que también podía trabajar de forma más estructurada. para esa serie yo estaba empezando, tenía como 2 años de pintar, entonces había tenido mucha libertad. después tuve esta necesidad de ordenar, dije, "no, no ya, tengo que tratar de irme hacia el otro lado un poquito para ver cómo me va", porque es parte también de la cosa.

¿el otro lado?

el otro lado que es más ordenado y estructurado. en mi vida personal, como todo el mundo creo, en algunas circunstancias soy estructurado y en algunas otras cosas no tanto. todo el mundo es muy circunstancial, dependiendo de cada cosa vos podés ser muy libre o muy estructurado. para "Serie del Jardín" fui más estructurado y los resultados fueron interesantes, las pinturas son muchísimo más gráficas, menos pictóricas. sí me gustó intentarlo pero también me cansé y decidí mejor dejarlo hasta ahí porque el gozo que permite un proceso más intuitivo no se obtiene de la misma manera. no es que uno no goce si uno se estructura más, sí goza, pero en ese momento en el que yo estaba sentía que podía acceder más fácil a ese gozo trabajando de forma más libre.

 
Cortadores de zacate en el jardín,  Serie del Jardín

Cortadores de zacate en el jardín, Serie del Jardín

Descanso en el jardín,  Serie del Jardín

Descanso en el jardín, Serie del Jardín

Trabajadores luego del descanso,  Serie del Jardín

Trabajadores luego del descanso, Serie del Jardín

 
 
 

(entramos a la casa a tomar té de jengibre. el adentro es una continuación de ese jardin encantado exterior: tesoros, cuadros y fotos por doquier; una colección diversa pero no caótica que parece crecer como lo haría una planta, de forma gradual y desapresurada.

el día que visito a Roberto, está trabajando en unos cuadros en formato grande que estarán viajando a españa para "Oda a la (r)existencia" una exposición de las obras de Roberto y del artista venezolano El Gaba, que se llevará a cabo en murcia el 18 de octubre de este año y en madrid en enero del 2019.)


 
 

ok, devolvámonos. ¿llevás alrededor de 6 años pintando y sos autodidacta?

bueno, realmente yo me gradué en medicina y actualmente doy clases de anatomía humana. mi relación con el dibujo y la pintura comenzaron casi al finalizar mi carrera de medicina, sentí una necesidad de explorar nuevos caminos, tenía una especie de sed de libertad, de expresión y de entusiasmo que encontré en la pintura y el dibujo.

cuando yo ya estaba terminando la universidad, como en el 2011, no sé por qué...bueno, sí creo que sé por qué. yo tengo un tío que es artista, es pintor, se llama Fabio Herrera. desde chiquitito me acuerdo que siempre nos reuníamos toda la familia porque había algo que Fabio nos iba a enseñar, entonces nos reuníamos y veíamos algún video o una exposición o qué se yo. Fabio empezó haciendo acuarelas de paisajes y se hizo muy reconocido por eso pero ya después se fue a estudiar a barcelona y ahí estaba muy fuerte esto del informalismo catalán con artistas como Antoni Tàpies y otros que eran muy matéricos e informales en el sentido académico. a partir de ahí, la aproximación de Fabio hacia la pintura era desde la libertad siempre y yo eso lo tuve en mi cabeza desde muy pequeño.

nunca a uno le dicen que eso del arte o la pintura es una posibilidad, entonces yo nunca pensaba que era factible dedicarse a eso. igual nunca tuve mayor interés, tal vez por el tipo de clases de arte que uno lleva que no son muy libres. 

después cuando ya estaba terminando la carrera, y esta parte no la tengo muy clara, recuerdo a otro pintor alemán-británico que se llama Frank Auerbach del que le hablo mucho a mi tío, pero él me dice que yo no tengo nada que ver con Auerbach, pero yo no sé, yo vi unas pinturas de él y creo que reconocí una libertad muy grande en lo que él hacía. ese momento fue un reforzamiento de esa idea que ya yo había visto en las obras de mi tío y algún chip que estaba apagado se encendió. me resonó muy fuerte esta libertad que vi en Auerbach y también en Georg Baselitz.

lo primero que hice antes de pintar fue empezar a dibujar como por año y medio con lápiz, pilot, cualquier cosa, grafitos, lapiceros. nada más dibujaba y dibujaba. tenía un libro de dibujos de artistas de todo tipo, renacentistas, Hopper, Tiziano, entonces los copiaba y me entretenía montones. 

me sorprende que disfrutaras copiar dibujos cuando lo que atraía al arte era más bien la libertad y copiar parece que sería lo opuesto.

sí pero creo que intuitivamente sentía que sí necesitaba algunas herramientas para ampliar mi espectro de la libertad, por lo menos a la hora de representar cosas. igual no fue una tortura porque como era algo inicial que nunca había hecho, realmente era como un juego en ese sentido de, "uy, vamos a ver cómo hago esto".  

seguí dibujando hasta que quise empezar a pintar. en ese entonces yo vivía en la garita, estaba la casa adonde todos vivíamos, pero también había una casita vieja muy parecida a esta, solo que de madera, era más terrible. yo pasaba todo el día ahí en esa casita nada más pintando y de repente me fui a vivir, bajé una cama y me quedé viviendo ahí. era un poco raro, hasta ridículo, porque la casa de mis papás estaba como a 20 metros y yo ahí, pero ya cuando uno estaba pintando sí se sentía como si uno estuviera muy solo. eso fue en el 2014 y es cuando empecé a hacer las pinturas donde yo dije, ya entiendo hacia donde va esto.

en el 2014 tal vez tenía ya rasgos característicos, pero más que eso fue cuando sentí que ya no tenía el miedo. eso que vos decís es cierto, que tal vez si uno se va hacia el dibujo se estructura, pero en ese momento aprendí a romper eso. son cosas que sólo vienen con la experiencia. yo creo que aunque uno estudie artes plásticas, solo el esfuerzo de haber tenido que pasar por todo este tipo de cosas te lleva a eso, porque igual pasa en medicina y en otras carreras. la experiencia es al fin al cabo lo que manda, lo que te permite llegar, y los años. 

Figura japonesa junto a un árbol

Figura japonesa junto a un árbol

 

¿la libertad es entonces lo que te atrajo a la pintura?

la libertad de expresión, sí. otra cosa que me parece muy importante de la pintura, que es mí visión de por qué razón sigue siendo tan vigente en estos tiempos, es que, al igual que el dibujo, tiene esta inmediatez de registro de una acción humana. suena muy científico-neurológico tal vez, pero yo creo que definitivamente no hay nada más inmediato que si yo te doy un papel y vos hacés una raya, ahí ya queda registrado algo tuyo, un trazo, algo. me gusta mucho la pintura por esta capacidad que tiene de registrar emociones y pensamientos, en mi caso muchos intuitivos y algunos racionales también, con esa inmediatez.

cuando hablás de que la pintura es vigente, ¿te referís a la vigencia que tiene para l@s pintores o también para el espectador? ¿el espectador puede también leer/ver esa inmediatez?

creo que si hay más gente pintando, si hay una mayor cantidad de artistas que se están dedicando a la pintura, es más probable que se haga buena pintura. obviamente no es una regla, pero es una posibilidad. entonces es una posibilidad también que a como haya mejor calidad de pintura, a la gente le vaya a atraer más. 

¿pero si estás viendo una pintura de alguien más, buscás o ves esa inmediatez de la que hablás?

sí. una de las cosas que más me interesa en las pinturas es ver esas subjetividades, esa cosa que yo no voy a poder ver en otra cosa que no sea una pintura tuya, por ejemplo. también siempre existe un yo no sé qué, que mucha gente ha tratado de encontrar pero que nadie sabe muy bien. hay gente que dice, y posiblemente es la respuesta correcta, que ese yo no se qué es la relación entre un montón de variables que entran en sintonía: composición, color, gesto, trazo, línea...

pero también es muy subjetivo. tal vez a mí me encantan las cosas muy sencillas y yo veo un cuadro o un dibujo muy sencillo y me fascina por la sencillez y por todo lo que transmite esa sencillez.

Figuras y volcán en la prehistoria

Figuras y volcán en la prehistoria

 
 
 

¿qué tal ha sido la experiencia de introducirte, conocer y navegar el mundo del arte, las expos, etc.?

he ido poco a poco, es un mundo distinto al cual no estoy tan acostumbrado. sí me gusta exponer pero es complejo porque también hay muchas cosas que hay que atender. por ejemplo, en una exposición individual es mucho el trabajo; por ese lado creo que las exposiciones colectivas son bonitas. para una exposición individual no es tanto el trabajo de las pinturas, si no que implica mucho las relaciones sociales y las conexiones y eso a veces es complicado porque yo soy una persona muy reservada, lo que hace que se me dificulte esa parte. hasta el momento creo que me gusta ir despacio porque me parece que es mejor en mi caso.

¿despacio en qué sentido?

en reconocimiento, en que la gente conozca mi trabajo. me gusta ir tranquilo y disfrutando, no sacrificando muchas cosas de mi vida personal. 

con el trabajo también se me dificulta mucho poder ir a eventos, porque la mayoría los hacen un jueves a las 7 de la noche y yo no puedo ir porque a esa hora estoy trabajando. entonces eso también ha hecho que yo lleve las cosas un poco más lento. casi que la pintura ha sido la que ha tenido que hablar por mí, por así decirlo. 

pero gran parte de lo que me gusta de la pintura es eso, que de hecho mi tío me lo dijo, "ya después serán las pinturas las que hablen por vos, vos no vas a tener que decir nada". tal vez cierto, tal vez no. en parte no es cierto porque sí hay que decir muchas cosas.  

¿qué tipo de cosas sentís que es importante decir?

me refiero más que nada a responder preguntas, porque la gente muchas veces tiene preguntas acerca de las pinturas. es obvio, hay gente que quiere saber por qué razón uno hace una nube, un pino, y "¿por qué siempre un pino? ¿por qué siempre una nube?". para ese tipo de cosas yo creo que es importante poder transmitir la honestidad de la expresión de uno. a eso me refiero, a que hay que hablar si entra en cuestión tu obra; poder decir de qué va tu trabajo, por lo menos con base en lo que vos creés y la intención tuya a la hora de hacer el trabajo.

hay artistas que no creen tanto en proveer explicaciones sobre su trabajo, ¿para vos entonces sí vale?

a mí si me parece que es válido. que uno tenga algo que decir acerca de la obra de uno, acerca de lo que uno cree que está haciendo no tiene por qué anular la visión que alguien más tenga de la obra. hay un libro que a cada rato todo el mundo cita que habla de esto, "Obra Abierta" de Umberto Eco. es muy claro lo que quiere decir, que hay muchas interpretaciones para algún grupo de elementos. entonces que yo diga algo sobre una obra no quiere decir que yo vaya a rechazar una visión totalmente distinta a la mía.

en muchas de mis pinturas uno no sabe muy bien qué es lo que está pasando, y ese enigma me gusta, esa sensación de no saber y dejar abiertas las posibilidades que hay de relaciones. si uno tiene algo que aportar, un contexto que darle al espectador, puede llevar a que se generen nuevos significados y que se vuelva más interesante la obra.

Pareja en el desierto

Pareja en el desierto

 
 
 

¿podés hablar un poco sobre donde estás ahorita, especialmente en relación a la paleta de colores pasteles que predomina en tu trabajo? 

cuando comencé a pintar, pintaba figuras muy grandes, casi todas eran una o dos figuras antropomórficas. conforme pasó el tiempo no me gustaba tanto lo que estaba haciendo. al inicio fue como una especie de explosión por la emoción de estar pintando y entonces agarraba los colores directo del tarro, no pensaba mucho en los colores. cuando fui creciendo con los años de pintar empecé a interesarme en dos cosas que afectaron la composición de las pinturas:

la paleta de color cambió, entonces ya no usaba colores tan directos o tan puros. empecé a utilizar colores pasteles porque tenía una afinidad muy grande por estos colores. también había visto pinturas de Giorgio Morandi, un pintor italiano que hace bodegones muy lindos, y obras de otros pintores como Guston que también tiene una asociación fuerte con Morandi, en donde empecé a notar y me empezó a atraer más el uso del color. los empecé a explorar, eso me llevó a los colores pasteles y con esos colores me sentí muy a gusto.

una vez que comencé a usar colores pasteles me pareció muy interesante la contraposición de algo tan violento como las figuras que estaba pintando con la sutileza que dan estos colores; de alguna manera se balanceaba el mensaje de tratar de decir que hay algo muy grosero ahí pero como un eufemismo. 

aparte del cambio del color, el otro cambio fue que las figuras empezaron a ser más pequeñas y empecé a tener más consciencia del espacio, o de crear atmósferas. 

creo que lo que ha estado siempre en mis pinturas es la relación, o mi visión de la relación mía, o del hombre en general, con el mundo o con la vida. muchas veces he utilizado dos figuras antropomórficas porque es como la cantidad mínima necesaria para que se establezca una relación. pero también existe no sólo la relación con otra figura, sino con el espacio; y no sólo la relación entre figuras o con el espacio sino también la relación consigo mismo.

esta idea de las relaciones es algo que entiendo viendo las pinturas en retrospectiva, como las tengo aquí en la casa a veces me siento y las veo y veo que sí es muy de relaciones en el sentido estricto; incluso hasta podrían ser formales, pero también poéticas en el sentido de que quieren decir algo más que algo meramente formal.

¿el proceso de pintar te permite entrar en un estado pleno de libertad o estás en una búsqueda continua de mayor libertad?

el proceso en sí me otorga lo que necesito. no es que pinto para sentirme libre. creo que el entusiasmo de ver qué es lo que voy a crear es la esencia de por qué pinto, ese entusiasmo de ver qué es lo que voy a hacer en esta próxima pintura, porque como no sé que voy a hacer es una sorpresa, un misterio. eso es lo que realmente siento, más que buscar libertad es ese entusiasmo que puedo sentir a través de una pintura.

yo me siento con una tela y para mí es como ir a divertirme y sorprenderme increíblemente, casi como un niño. es una reconexión con este entusiasmo que sentís por la vida cuando todo es nuevo. y ese entusiasmo, que creo que es la palabra, es lo que me hace seguir pintando.

¿pensás que el acto de ver arte puede hacer a un espectador sentirse libre?

sí, yo creo que sí, porque el arte, y obviamente depende del tipo de arte, le da a las personas la capacidad de poder ver la realidad de una forma un poco distinta, o sugerir ciertas cosas, cierta magia en la vida que tal vez no resulta tan aparente para algunos. yo creo que la libertad viene mucho de la capacidad que tiene el arte de abrirle la mente y la percepción a las personas. 

Figuras en una colina

Figuras en una colina

 
 
 

¿cómo le llegás a los títulos de tus obras? me interesa porque tus títulos son de cierta forma sorprendemente específicos para lo abiertas que son tus pinturas, pero al mismo tiempo las palabras que elegís también logran mantener un grado de ambigüedad.  ¿o no es tan importante para vos?

no, sí es súper importante para mí. de hecho muy pocas veces tengo la lucidez de ponerle nombre a una pintura inmediatamente, les pongo los nombres después. durante mucho tiempo no sabía qué hacer sobre los títulos. me decía, "pero es que esto no es una canción, no es un libro, es una pintura, ¿por qué tengo que ponerle título?" en general me parecía que ponerles título era algo condicionante y no quería condicionar significados.

una salida que me gustó mucho es usar títulos obvios y descriptivos en ciertas cosas. tiene algo de chiste de mi parte en algunas ocasiones decir lo obvio, y también con este tipo de título me permito ser más neutral, para precisamente poder dejar el significado abierto. porque por ejemplo, yo te puedo decir a través del título, “2 figuras y 1 pino”, que hay dos figuras y un pino en esa pintura, pero no quiere decir que sólo eso haya o que sea eso lo más importante en tamaño o en significado.

posiblemente hablo siempre de figuras porque para mí la figura antropomórfica es el referente humano. nosotros somos humanos, la pintura es algo muy humano. no hay otros animales que tan conscientemente como los humanos vayan a hacer una pintura. a través de la historia el referente humanos siempre ha estado muy patente y para mí es muy importante incluirlo. las figuras antropomórficas son una representación: me representan a mí, a mi visión de mí mismo y a mi visión de un referente humano, de lo que yo creo que es ser humano y de la condición humana, de cómo se siente, cómo siento yo la vida, cómo reacciono ante ella en distintas circunstancias. por eso es que elijo títulos como "dos figuras y un pino", porque la relación del humano con la vida es lo que más me interesa.

me has estado contado que a veces con las pinturas explorás emociones o situaciones tuyas. ¿estas emociones o situaciones las tenés presente de antemano? 

usualmente no tengo muchas cosas presentes al momento de pintar, creo que trato más de vaciar mi mente de pensamientos y empezar a ver qué tiene el mismo proceso que decirme; es más como un diálogo con la pintura y conmigo mismo.

no es como que llego a pintar pensando en que estoy triste o estoy feliz, por así decirlo, trato de alejar mi consciencia de eso. quizás algo curioso es que cuadros que he hecho estando entusiasmado y alegre exploran temas de connotación negativa para algunos, como el sufrimiento o la angustia.

¿cómo es tu proceso a la hora de iniciar una pintura nueva?

es un juego de trazos y manchas. empiezo a darle y a darle y a darle y a darle, a aplicar pintura, agregar, sustraer, agregar, sustraer, quitar, esperar que se seque, después pasar un brochazo; seguir así en eso hasta que...yo no sé cómo se llama esta cosa pero de repente pasa algo. qué se yo, en la cabeza tal vez, o pasa un brazo y entonces eso ya desencadena todo un efecto dominó en mi mente.

la intuición es muy importante pero obviamente siempre hay grados de racionalización, porque si yo fuera automáticamente así posiblemente todas mis pinturas serían iguales. si yo llego y hago una pintura y después empiezo a trabajar otra pero veo que estoy repitiéndome, en algunos casos me lo permito, pero en otros si veo que estoy atrapado en un patrón entonces no lo permito, busco mejor otras posibilidades. 

es ir ahí como un tiburón tratando de capturar algo y ¡pla! de repente es el momento. es muy del momento mi pintura. me pasa mucho, especialmente con estos cuadros pequeños, y eso es lo que me gusta del pequeño formato, que me permite más eso. en cambio con los cuadros grandes, por el espacio que requieren, se me dificulta más poder aplicar ese método, entonces últimamente, específicamente con estos cuadros grandes que estoy trabajando, hay por ahí tres de los ocho que sí son muy muy intuitivos pero aún así sí tienen una mayor estructuración. 

Autorretrato en el estudio

Autorretrato en el estudio

 
 
 

las situaciones que representás muestran estados de oscuridad pero no los exageran, si no más bien es como que se reconoce su presencia y se le da el espacio requerido, lo cual genera un estado de aceptación que me transmite mucha paz, como que pese a todo, existe paz.

es esa ambivalencia entre lo violento y los colores pasteles. porque bueno, eso es algo que está en la vida, en la vida humana las cosas se presentan de esa manera.

de hecho eso es algo muy importante para mí. antes de pintar estuve un año y medio metido en yoga, y ahí siempre se hablaba de este concepto que en psicología se llama despersonalización. pero creo que el término de la despersonalización en psicología es hasta un poco patológico, donde la persona se sale de sí mismo. pero en prácticas espirituales como el budismo, es más bien salirse de uno mismo para ver las cosas desde una perspectiva objetiva. como, "ok, yo no soy esto que está sufriendo, si no que soy algo que está fuera de eso". por eso casi que ninguna de mis figuras, a pesar de que tal vez pueda uno decir, "ah tal vez yo soy eso", realmente no lo sé, conscientemente no lo sé. pero puede ser que yo pueda ser esta figura que se siente derrotada en algún momento por la vida, o más bien puedo ser esta otra figura, puede ser, pero no lo hago conscientemente. es salirse de uno y poder ver las cosas objetivamente, ver todos los factores.

¿te gustaría transicionar a vivir puramente de tus pinturas, o te gusta el balance con el trabajo?

eso es algo que me pregunto constantemente. sí me gustaría, pero bajo mis propios términos. es difícil porque muchas veces yo siento que para poder vivir del arte, el artista tiene que hacer algunos tratos con ciertas causas o ciertas cosas que tal vez no son lo más honesto del propio artista. qué se yo, si hay que promocionar algo, o si hay una especie de discurso que hay que ir adoptando para favorecer a algún grupo de poder. el arte es demasiado complejo y hay muchas variantes, pero a mí no me gustaría tener que condicionar mi arte por alguna razón externa. entonces si yo pudiera pintar siempre tratando de mantener una buena pintura bajo mis términos, sí me encantaría poder vivir completamente de mi arte. pero si tuviera que sacrificar el goce y la libertad que yo tengo en mi pintura por ser artista, entonces preferiría seguir trabajando.

Figuras en aldea

Figuras en aldea


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robertocarterart.wordpress.com

instagram: @roberto.carter

 

|  próximas exposiciones  |

exposicion de dibujos, AGOSTO 2018, TRAMA, CIUDAD DE GUATEMALA, GUATEMALA.

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"Oda a la (r)existencia, existir, re existir y resistir con mi libertad"

18 de octubre, 2018, Universidad de Murcia, MURCIA, Y ENERO, 2019, MADRID.